#SoyFan

  • Capítulo 127

    El invitado en la edición N°127 de nuestra sección es el cantautor Diego Kuropa, quien recientemente estrenó «Silencio mío», single que cuenta con la participación de Rubén Olivera, uno de sus mayores referentes.

    El próximo domingo 16 de junio, a las 20:30 h, en la Sala Hugo Balzo del Auditorio Nacional del SODRE, Kuropa se presentará en vivo con su espectáculo “Encuentros”, donde recorrerá buena parte de lo mejor de su repertorio acompañado por Betina Chaves en violín, Federico Mujica en guitarra eléctrica y Andrés Pigatto en contrabajo. Además, contará con Fabián Severo y el propio Rubén Olivera como invitados.

    Tomando el show como excusa lo convocamos a #SoyFan y nos dejó sus palabras sobre Joan Manuel Serrat, uno de los principales y más influyentes compositores de habla hispana.

    “La música de Serrat sonaba en casa desde que tengo memoria. En el año ‘81 una amiga de mi madre que reside hasta el día de hoy en Barcelona le envió el cassette ‘En tránsito’ del cantautor catalán y allí tuve mi primera escucha consciente, tanto de su voz como de su música, aunque en ese momento era muy pequeño como para asimilarlo completamente. Recién a la edad de 19 años, revisando vinilos que tenía el compañero de mi madre, descubrí verdaderamente sus canciones y su poesía maravillosa.

    Me hice fan inmediatamente. Ni bien comencé a escuchar esos discos, los cuales en realidad no tienen un título concreto sino que llevan simplemente su nombre ‘Joan Manuel Serrat’ (aunque uno de ellos es conocido como ‘Disco blanco’), me quedé prendido de toda su obra y la escuché observando cada detalle tímbrico, armónico, los arreglos barrocos y su expresividad al cantar. El Serrat que más me interesa abarca del ‘65 al ‘81.

    De él admiro su coherencia estética, su compromiso y su ética. Es un cancionista que, sin caer jamás en lo panfletario, ha tenido una enorme conciencia social y ha rescatado del olvido, por ejemplo, a poetas inmensos de la lengua española como Antonio Machado y Miguel Hernández en un momento en que eso estaba prohibido por el franquismo. Por supuesto admiro su manera de plantarse frente a un escenario, su calidad interpretativa y las letras de sus canciones. No en vano el álbum ‘Mediterráneo’ es considerado uno de los trabajos más importantes de la música española del siglo XX.”

  • Capítulo 126

    Diego “Chirola” Martino es el invitado en esta nueva entrega de nuestra sección, alguien que no necesita demasiada presentación, ya que su voz está ligada a grandes momentos que contribuyeron a buena parte de la historia del rock uruguayo a lo largo de las últimas tres décadas. El vocalista, músico y compositor regresó a los escenarios con Hereford hacia fines de 2023 y, paralelamente en este 2024, retomó su proyecto Martino habiendo lanzado recientmente una nueva versión de su tema “Transforma”.

    El próximo 8 de junio, a las 21:30 h. en la Sala Hugo Balzo del Auditorio Nacional del SODRE, Martino se presentará en vivo y tomamos la oportunidad como excusa para convocarlo. Diego es fan de The Police, una de las bandas más influyentes en la historia de la cultura pop, y lo que sigue son sus palabras acerca del clásico trío británico.

    “Es difícil decidirse por un solo artista realmente. Desde chico he sido revolcado por diferentes tipos de olas musicales.
    Si tengo que elegir un artista tengo que ser justo con quienes me introdujeron a querer tener una banda. Ellos son The Police.
    Todo comenzó en mi cumpleaños número 10, cuando un iluminado novio nuevo de mi hermana -que resultaría su futuro marido- me regaló un cassette con un compilado que se llamaba ‘Every breath you take’. De ahí, cada peso ahorrado era para comprarme unos de sus discos de vinilo.
    Hoy, lo que más destaco aparte de sus increíbles composiciones, es su originalidad y la manera en que esas canciones son interpretadas. Fue una de las pocas bandas que realmente vinieron a patear la puerta. En el momento que The Police se metió en mi piel, no sabía si iba a ser músico, pero estaba seguro de que tendría una banda.”

  • Capítulo 125

    Llegamos a la edición N°125 de #SoyFan y nuestro invitado posee una de las voces más personales y reconocidas del tango. Nos referimos a Tabaré Leyton, quien este año se encuentra celebrando quince años de trayectoria artística. Por otra parte, su más reciente trabajo discográfico «Tabaré Leyton – Vol. 1», fue galardonado con el Premio Graffiti a «Mejor álbum de Tango» en su última edición.

    Tabaré se presentará en vivo el sábado 18 de mayo a las 21:00 h. en Sala Zitarrosa y a propósito del show -donde recorrerá el mencionado álbum y lo mejor de su carrera- lo invitamos a nuestra sección y nos habló sobre Amalia de la Vega, artista fundamental en la historia de nuestra música.

    “Soy fan de Amalia de la Vega desde que la escuché por primera vez en radio Clarín.
    La empecé a escuchar de verdad, cuando logré hacerme con su álbum ‘El lazo de canciones’, que estaba entre unos cuantos discos que un vecino estaba por tirar.
    De ella admiro su canto sublime, y la resonancia honda y profunda de su voz inigualable.”

  • Capítulo 124

    El invitado en esta nueva edición de #SoyFan no necesita demasiada presentación. Si hablamos de referentes del rock y blues local, es muy probable que Christian Cary sea uno de los nombres que nos vengan de inmediato a la mente. La Triple Nelson, banda que lidera, está celebrando 25 años ininterrumpidos de carrera y este cuarto de siglo encuentra al trío en un muy buen momento, entre otras cosas, con un gran álbum como lo es “Después del último día”, publicado a fines de 2022, por el que recientemente obtuvieran el Graffiti a Mejor Álbum de Rock y aguardando la revelación de otras seis catagorías.

    El viernes 20 de octubre, a las 20 hs. “La Triple” se presentará en La Trastienda MVD con un show donde repasará sus 25 de trayectoria y que contará con Los Pérez García como banda invitada.

    A propósito de la importante fecha, convocamos a Christian a participar de nuestra sección y nos habló sobre su fanatismo por el guitarrista estadounidense Stevie Ray Vaughan, fallecido en 1990.

    “Conocí a Stevie Ray Vaughan cuando tenía 14 o 15 años. Un amigo Eddie Díaz me mostró en un cassette a dos guitarristas, Jhonny Winter y Stevie Ray Vaughan, los dos me marcaron en lo que es mi gusto por el blues, pero Vaughan me atrapó con su sonido maravilloso de guitarra. Él tiene una afinación de la guitarra que afina bemol, todas las cuerdas de la guitarra medio tono para abajo de lo normal, lo que sería el 440, en el que afina la mayoría de las personas. Ese sonido más grave – usaba cuerdas muy gruesas, también – me llevó a escucharlo sin parar cuando era chico. Escuchaba muchos guitarristas, pero a ellos dos los escuché de sobremanera, sobre todo a Vaughan con el disco Texas Flood, de 1983. Ese disco me marcó de una manera impresionante. Me sabía los solos mentalmente, me los había aprendido y luego seguí con con muchos discos más y con muchas canciones más. También, discos en vivo donde se podía ver que el tipo tocaba, de la misma manera en vivo que en los discos, y hasta mejor en muchas de las interpretaciones.
    Hasta ese momento, yo venía escuchando un montón de música. Era muy fanático, sigo siendo, de los Beatles y, en ese momento, George Harrison, que era un guitarrista que yo escuchaba mucho, hacía solos de guitarra muy lindos, muy melódicos, muy recordables y me encantaban. Pero cuando me encontré con con Stevie, Winter y otros blueseros más, me di cuenta que también había un mundo aparte dentro del blues, que era tocar la guitarra más tiempo de lo que se cantaba. Se cantaba un poco y se tocaba la guitarra mucho, los solos de guitarra eran muy largos. En ese momento yo tenía una banda que se llamaba Punto Rojo, anterior a La Triple Nelson, y con Punto Rojo me dediqué a hacer eso. Fue una escuela increíble para mí porque, gracias a mis compañeros que me bancaban la toma de tocar solos de guitarra eternos, pude desarrollar mi toque en la guitarra. Fue haber escuchado por primera vez a alguien y después hacerme fan, muy fan del blues.
    Él también es cantante, entonces es completo, porque canta bien en su estilo y toca la guitarra muy bien. A mí siempre me llamó más la atención cómo tocaba la guitarra, porque yo estaba más enfocado en la guitarra en ese momento y, de las cosas que más admiro es su sonido, el sonido que le pudo sacar, que a es un sonido característico de la Fender Stratocaster y él lo llevó a otro nivel. El sonido de la guitarra Fender Stratocaster la llevó a un nivel diferente a todo lo que se venía escuchando y te diría que, hasta el día de hoy, es increíble que un guitarrista haya logrado un sonido que es característico de él y que después muchos guitarristas intentamos, yo me incluyo, acercarnos a ese sonido que tanto nos gustaba, por lo menos a mí, que tanto me gustaba de chico. Después, uno toma otros caminos o agrega diferentes sonoridades a lo que hace, pero el sonido es de las cosas que más admiro de Vaughan, el sonido de la guitarra y la forma de tocar la guitarra con un sentimiento puro, superlativo. La verdad es lo que más admiro, sí. La forma que él tenía de expresar con su guitarra.”

  • Capítulo 123

    El invitado en la edición N°123 de nuestra sección es Diego González, quien con dos álbumes publicados (“Uno” de 2017 y “Días de fuego y fantasmas” de 2021) y un tercero en camino – que llevará por título “La canción pide, la canción tiene” – se ha ubicado entre los principales cantautores uruguayos surgidos en los últimos años.

    El próximo sábado 30 de setiembre, a las 21 hs. en el Auditorio Vaz Ferreira (Av. 18 de Julio 1790), presentará su espectáculo “La canción que viene”, donde, además de repasar temas de sus anteriores trabajos y sus recientes singles “Ezpecial” y “Milagros”, adelantará “Montevideo”, canción que verá la luz en plataformas digitales el día 6 de octubre. Además, la noche contará con la apertura a cargo de Rodra, otra destacada y joven cantautora.

    A propósito de todo esto, fue que convocamos a Diego y nos dejó sus palabras sobre el solista uruguayo más importante del siglo a nivel internacional, Jorge Drexler.

    “A Jorge Drexler lo conocí una tarde del 2000, creo que era verano, escuchando la radio desde mi cama, cama alta que daba justo al estante más alto de una biblioteca que tenía un mini componente con casetero. Estaban pasando canciones uruguayas y de la nada sonó ‘Frontera’, ahí mismo apreté el botón de Play y el botón de Rec (los que se criaron en los 80/90 me entenderán) y grabé un pedacito de esa canción. Desde ese momento empecé a seguir todas sus canciones…

    Creo que me hice fan cuando lo fui a ver a la Zitarrosa, presentando “Sea” y siempre fue un viaje mezclado entre admiración y querer llegar a ese lugar de cantautor hecho, de tocar solo con una guitarra y llegar al silencio más profundo o de estar con tremenda banda y acaparar todo un SODRE…

    Admiro su solvencia a la hora de escribir canciones e interpretarlas; también su crecimiento, su no miedo a innovar, a cambiar de un disco a otro, orquestar canciones para cambiarlas completamente; saber desarmarse y armarse de nuevo… “

  • Capítulo 122

    Nuestro invitado en la edición N°122 no necesita demasiada presentación, aunque sí, es relevante destacar que su presencia en la escena uruguaya se acerca a las tres décadas, sea integrando distintas bandas y proyectos o colaborando con otros artistas desde su faceta compositiva. Hablamos de Fernando Santullo, quien retornará a los escenarios con su proyecto/banda Santullo tras un año alejado de los mismos.

    La fecha marcada es el próximo viernes 24 de agosto a las 22 hs. y el lugar Inmigrantes, espacio que, además, se encuentra celabrando sus 6 años de vida. Allí, Santullo promete recorrer material de sus dos discos de estudio («Bajofondo presenta Santullo» y «El mar sin miedo»), así como canciones inéditas, temas de Peyote Asesino y Kato. Todo esto en un formato que incluye percusión digital y secuencias, lo que -en palabras del artista- «logra que las canciones tengan otra dinámica, una más controlada, menos rockera, que nos permite explorar las zonas más hip hop y electrónica del proyecto”.
    Tomando como excusa esta celebratoria presentación – que tendrá a Morón y Los Intensos encargados de la apertura – fue que convocamos a Fernando a participar de nuestra sección y nos habló sobre Rush, banda canadiense surgida a fines de los ’60, referentes del denominado rock progresivo.

    «Descubrí Rush allá por 2do. de liceo, en 1981. No estoy de todo seguro con qué canción fue, pero es muy probable que con ‘Tom Sawyer’, que de manera insólita sonaba bastante en las radios de rock de México. Tampoco recuerdo si la canción la descubrí en la radio o si algún amigo me la mostró en el disco ‘Moving Pictures’. Recuerdo sí, que me impresionó un montón el aire medio ciencia ficción que tenía todo, música y letra. Y cómo interactuaban los instrumentos a lo largo de la canción, lo distinto que sonaba a todo lo que sonaba entonces.
    Creo que me hice fan cuando sacaron su siguiente disco, ‘Signals’, en el 82. Era un disco lleno de canciones increíbles que, si bien tenían todas las características del grupo, se metían en terrenos nuevos. Ahora, si lo pienso un poco mejor, diría que fue un proceso de acumulación de años con lo que se convirtieron en mi banda favorita. Empecé a recorrer su discografía para adelante y atrás y ahí me terminaron de convencer por completo. Eso no quiere decir que me encanten todos sus discos pero sí que me encanta que se haya animado a hacer todos esos discos.
    Admiro su ética artística insobornable, su búsqueda interior que mira lo que ocurre afuera pero jamás traiciona la música que se propone hacer. Cómo logran hacer todo eso creando una música única, que no se parece a nada. Y cómo alcanzaron un nivel de perfección absoluto desarrollando un vocabulario hasta el punto de ser una liga en si mismos, en donde no compiten con nadie porque nadie más hace esa música.»

  • Capítulo 121

    En esta nueva entrega de nuestra sección invitamos a Matto Bello, reconocido guitarrista de la escena local, actualmente en filas de MOTA, pero que ha participado, y participa, de distintos proyectos tales como Sumergibles y Bruto Dan, además de apoyar en vivo a bandas de la talla de La Triple Nelson.

    Tomando como excusa que MOTA se presenta en vivo el próximo viernes 5, a las 21 hs. en La Trastienda MVD, lo convocamos para que nos contara de su banda favorita. Matto nos habló sobre Foo Fighters y acá te compartimos sus palabras acerca de la banda liderada por Dave Grohl.

    “Es difícil tener que elegir una banda porque desde que tengo memoria musical me han acompañado varias bandas en el camino. Pasé por Led Zeppelin, AC/DC, Nirvana y The Rolling Stones en los principios, pasando por Divididos en el Río de la Plata, guitarristas como Jimmy Hendrix, Steve Ray Vaughan, Joe Bonamassa y Jack White o Greta Van Fleet y Airbourne como bandas más actuales. Pero hace aproximadamente unos diez años entré a involucrarme cada vez más con Foo Fighters.

    El poder que tienen en sus canciones me entró a contagiar el día a día, recurriendo a la banda para todo momento, sobre todo en esos días que necesitas cargarte de energía.
    Si bien es una banda que estaba bastante a la vista empecé a conocerla mejor cuando empecé a componer canciones para Bruto Dan. Generalmente cuando atravieso ese proceso soy de escuchar mucha música del género para tomar ese espíritu y también para analizar cómo resuelven situaciones compositivas. Fue ahí que empecé a darme cuenta que Foo Fighters es una banda poderosa que logra unas melodías de canción muy presentes, ni que hablar que está llena de tremendos riffs. También me entré a copar porque como guitarrista aprendí escuchándolos a administrar la producción de guitarras. Es una banda que aporta mucho a entender cómo se puede llegar al éxtasis de una canción sin necesariamente recurrir a los solos. No quita que me encanten los solos, pero está bueno el juego de cómo administrarlos.

    Me hice fan cuando en ese proceso de descubrirlos realmente me di cuenta que es una banda que no para. Dave Grohl está constantemente componiendo y sacando tremendos temas. También me llenaron el ojo por el lado audiovisual y cómo manejan la comunicación. ¡Es una clase de rock sin posturas!
    El disco que me partió la cabeza es ‘One By One’, si hay que echarle la culpa a alguien, se la echo a ese disco.

    Lo que más admiro de la banda, a esta altura, es la capacidad de resurgir constantemente, de innovar y de seguir militando el rock como cosa grandiosa que lo es.
    En general, admiro las bandas de estadio que no paran de repartir rock por el mundo, desde lo musical hasta lo conceptual que ofrece los mega espectáculos que hacen. Y, todavía, se mandaron tremenda película de terror/comedia que la recomiendo convencido, ‘Studio 666’.

    Realmente es una banda que puede acompañarte todo el día ¡tiene climas para todo!”

  • Capítulo 120

    Llegamos a la edición 120 de #SoyFan y en ella el invitado es Rodrigo Galván, guitarra y voz de Martes 13, banda que en 2022 publicó su primer álbum “La Era del Fuego”.
    El próximo viernes 28, a partir de las 21 hs. en Sociedad Urbana Villa Dolores (Alejo Rosell y Rius 1483) Martes 13 se presentará en vivo junto a UFA en una fecha que, además contará con DJ invitado en la fecha que lleva por nombre Noche SUP (Sociedad Urbana Pop).

    Tomando como excusa el show, convocamos a Rodrigo a participar de nuestra sección y nos dejó sus palabras acerca de una de las principales figuras del rock latinoamericano: Gustavo Cerati.

    “Siento que la música que me gustó, o me llamó la atención, siempre fue muy variada en cuanto a géneros y sonido, pero conservando un factor en común: la simpleza en la composición, la búsqueda de melodías y estructuras memorables y algo incierto en lo sonoro que me dejase en un lugar incómodo como oyente (eso de no sacar del todo la ficha de lo que estaba pasando), desafiándome a ir un poco más lejos de lo que conocía en mis propias composiciones y producciones.
    Con eso en mente, se me vienen unos cuantos nombres a la cabeza pero creo que un artista que lo sintetiza muy bien es Gustavo Cerati.

    Como rioplatense que soy, nací con Cerati sonando en la vuelta (en alguna de sus formas). Eso sin querer se te va metiendo en la sensibilidad. Igual le di el lugar entre los artistas que escuchaba en mi adolescencia, recuerdo que en MTV sonaba mucho ‘La Excepción’ y ‘Crimen’, era esa época (2006, yo tenía 12 años) medio ecléctica de la música y que viéndola en retrospectiva fue muy prolífera y rica.

    Siempre tuve una manera medio ‘obse’ de consumir música, me ponía con un artista o grupo e iba a fondo, desde algún disco que funcionaba como disparador y luego moviéndome para adelante o para atrás en el tiempo. Soy de los álbumes, me parece que se entiende mejor la inquietud que tienen y la propuesta creativa leyendo entre canciones, a veces esa historia y continuidad está más o menos presente, pero siempre existe. Tenía a Soda bastante escuchado, pero fue cuando me topé con el álbum ‘Bocanada’ que me di cuenta que la cosa iba profunda.
    Era un tema de las canciones y su simpleza en lo formal pero una búsqueda estética en los arreglos y sonoridades sumamente provocativa lo que me hizo entrar a fondo. Ese disco es perfecto de principio a fin, no por que me guste cada decisión sonora, sino por que la entiendo en contexto me parece sumamente sabia, el tipo quería ir más allá de los formatos de canción a los que estamos acostumbrados, y siendo tremendo violero quería buscar la expresividad en las secuencias y samples. Y es un equilibrio difícil de lograr, porque no hipoteca la simpleza en pos de esa búsqueda y sigue haciendo buenas melodías y letras, trabaja mucho los climas y las transiciones.

    Lo que más admiro de él es lo desafiante e inquieto que fue en toda su carrera. Pudiendo jugar a la sencilla y quedarse en la fórmula que le funcionó él siempre necesitó ir un paso más allá en lo sonoro y lo compositivo (no hablo solo de su carrera solista, sino también de Soda), hizo dialogar la música con la tecnología de una manera única y sin ser exagerado siento que cambió (o por lo menos ayudó a cambiar) la concepción sonora que se traía del rock hispano.
    En las distintas etapas de Gustavo siempre hay búsquedas distintas, pero también constantes sumamente interesantes: mantenerlo simple y bello. Y en ese trayecto terminó allanando un camino que después transitaron otros artistas y que habilitó muchas de las cosas que suenan hoy en la vuelta ¡eso ya es un montón!»

  • Capítulo 119

    En la edición N° 119 de #SoyFan nuestro invitado es Horacio «Tato» Cabrera, reconocido productor y músico que acompaña a diversos proyectos que van desde Congo hasta Mocchi, pasando por Diego Matturro y Enemy entre otros.

    Hoy, jueves 20 de julio, a partir de las 21:30 hs. Tato se presenta en Inmigrantes (J. Paullier esq. Guaná) en formato piano bar acompañado de invitados e invitadas como Bárbara Jorcin, Diego Matturro, Boni, Martina Alonso y Sebastián Prada. Además, el show contará con una instancia posterior de jam session para que cualquier persona que quiera participar cantando, o acompañando con su instrumento lo pueda hacer, habiendo acordado previamente la canción que pretenda compartir.

    Tomamos la prometedora fecha como excusa para convocarlo a nuestra sección y, lo que sigue, son sus palabras sobre uno de los músicos más importantes de nuestro país. Nos estamos refiriendo a Hugo Fattoruso.

    «Desde muy chico mi padre se encargaba de musicalizar mis mañanas los fines de semana, y siempre fui de escuchar lo que sonaba en ese cassetero que iba desde Los Beatles, Creedence hasta Pablo Milanés. Algunas veces mamá agarraba la posta y aparecía Jose Luis Perales o Joan Manuel Serrat. Ya más entrado en años, con la existencia del CD, llegó a casa por un regalo de alguien (al cuál agradezco profundamente) el disco ‘Homework’ de Hugo Fattoruso y desde entonces no he podido parar de escucharlo hasta el día de hoy.
    Admiro mucho no solo su musicalidad sino toda su trayectoria, encabezando y enriqueciendo proyectos musicales con sus canciones.»

  • Capítulo 118

    Nuestra invitada en la edición N°118 de #SoyFan es Agustina García, vocalista de Cuatro Pesos de Propina, banda que está teniendo un gran 2023 que comenzó con el altísimo show junto a la Filarmónica de Montevideo en febrero pasado y continuó con su breve, pero intensa, presentación en la reciente edición del festival Cosquín Rock. Además, acaba de publicar el single y videoclip “Como un Río” en ocasión de una nueva Marcha del Silencio.
    El próximo sábado 27 de mayo a las 21 hs. en Sala del Museo, los Cuatro Pesos se presentarán en vivo y tomamos esta fecha como excusa para convocar a Agustina. Ella es fan de Amy Winehouse, una de las grandes voces del siglo, y lo que sigue son sus palabras acerca de la artista británica fallecida en 2011.

    “A lo largo de mi vida he pasado por muchísimos artistas y diversos géneros musicales. Siendo la única de mi familia que se inclinó hacia este rubro, capté y escuché absolutamente de todo. Los tangos de mi abuela, los rocks de mi mamá y los melódicos de papá. Pero hay una artista que específicamente me rompió la cabeza desde la primera vez que tuve contacto con su música, y es Amy Winehouse.
    Yo tenía unos 8 o 9 años, en un típico día de oldies en casa, de repente suena una voz MUY particular cantando ‘Me and Mr. Jones’. Ahí fue cuando se despertó la curiosidad musical en mí.

    Admiro su versatilidad, la forma que tuvo de darle a la melancolía del blues, un aire fresco y juvenil.
    Amy jamás volvía a cantar una canción de igual manera que antes, tenía la habilidad de cantar la misma canción y hacerla parecer nueva. Se versionaba constantemente y, creo, que eso es lo que más me inspira.

    No me gusta recordarla por su vida, o lo que le pasó, aunque tiene canciones que inevitablemente me conectan con esos profundos sentimientos que la atravesaban y me atraviesan a mí también. La profunda tristeza y la capacidad inmensa que tenía de amar. Éste último sentimiento es el que elijo embanderar.”

  • Capítulo 117

    En esta nueva entrega de #SoyFan el invitado es Juan Pablo Chapital, uno de los guitarristas más destacados de nuestro país, quien se presentará en formato big band el domingo 14 de mayo a las 20:00 en la Sala Zitarrosa con su espectáculo Chapital en Concierto. En el mismo repasará temas de toda su obra y adelantará otros de “Móvil”, su nuevo trabajo discográfico a editarse en el correr de este año, al tiempo que interpretará composiciones de artistas como The Beatles, Ruben Rada, Hugo Fattoruso, Jeff Beck, Eduardo Mateo, Opa, Dino y Alfredo Zitarrosa.
    La apertura de la noche estará a cargo de Juanchi Polgar & Emi Brito.
    Tomando como excusa el mencionado show, lo convocamos a nuestra sección y nos habló acerca de Opa, una de las agrupaciones referentes de la música nacional.

    “Tendría 16 o 17 años, sabía de la existencia de los hermanos Hugo y Osvaldo Fattoruso a través de Los Shakers y de sus colaboraciones con los mejores músicos de Uruguay, Argentina o Brasil. Me llegó un cassette de la banda qué habían armado luego romperla con los Shakers, era la banda Opa. Me partieron la cabeza. Opa es de las bandas esenciales de la música popular del Uruguay, con alto reconocimiento a nivel mundial.
    Me hice fan desde la primera vez que los escuché, en cassette y después en vinilo o CD. Además de admirar a los Fatto como instrumentistas o solistas, admiro su capacidad de síntesis y la fusión de estilos en Opa, que era una mezcla de todo lo que me gusta, Candombe, Jazz, Rock, Funk y más…”

  • Capítulo 116

    Para la edición 116 de nuestra sección convocamos a Fernando Novelli, guitarrista que luego de más de 15 años con Rouge, hacia fines de 2018 funda junto a los también ex integrantes de la desaparecida banda Santiago Lema y Daniel Yaffé, Capitán Tormenta. El nuevo proyecto publicó su álbum homónimo en octubre pasado, trabajo que fue lanzado en el novedoso formato de cerveza artesanal, además de encontrarse disponible en plataformas digitales, y lo presentó oficialmente en vivo en el mes de diciembre.
    Hoy, a pocos meses de aquél lanzamiento, Capitán Tormenta ha mutado su formación a sexteto incorporando a Orlando Fernández, Hernán Romay y Fernando “Rengo” López.
    La banda se presentará el próximo sábado 6, a las 22 hs, en Inmigrantes (J. Paullier 1252 esq. Guaná) y, a propósito de la fecha que contará con Viejas Almas como apertura, invitamos a Fernando, quien se define como fan del grupo californiano Grandaddy.

    “Son muchas las casualidades que pusieron a esta banda y en particular a su disco Sumday en mi radar.
    Sería incapaz de definir un año o un momento (asumo mediados de los 2000) y de ahí, en parte, radica lo especial de esta banda para mi.
    Hay pocos discos, y pocas bandas que se cuelan y ocupan un lugar insustituible sin un motivo específico, en ese momento poníá foco en el caos y dulzura intoxicada de la Velvet Underground o en el folk de Belle And Sebastian, y estaba totalmente absorbido por las capas de sonidos, y canciones que abren planetas de Radiohead, mientras con los Rouge grabamos el disco más Punk y crudo que hicimos (Guacha Life), sin dejar de mirar la discografía de Pavement o Pixies.

    De golpe, en una charla vacía y cargada de noche, donde debatimos horas nuestro chiste interno favorito de si el rock es inglés o americano, o cuál fue el mejor disco de una década cualquiera, algún Rouge mencionó que el mejor disco de los 2000 era el Sumday de Grandaddy, con una certeza y convencimiento que no me dejaba lugar a dudas y, por supuesto, no estaba dispuesto a discutir.
    Compré el disco en vinilo en un impulso correcto, sin escuchar nada antes. Fui fan al instante.

    Me acuerdo cuando lo puse por primera vez.
    Hay momentos únicos vinculados al arte, instantes que solo pasan una vez y son irrepetibles, te marcan porque suceden en el contexto justo, en el momento justo y te sorprenden con la dosis de sensibilidad necesaria. Y Grandaddy aterrizó en ese justo escenario.

    Una banda que mezcla en la dosis justa todo eso que estaba escuchando, las capas de sonido sintéticas y análogas de Radiohead, pero grabadas en un granero en la ciudad de Modesto.
    La cuota de indie rock de los Pavement, pero sin el capricho de arruinar el éxito, que también les fue esquivo de todas formas.
    La sensibilidad del folk americano con melodías beatles, y estribillos en Do mayor y La menor. simples en apariencia, pero extremadamente profundas y complejas en emoción y cuidado sonoro. Fuzz de guitarras, con pianos acústicos, marcan como motores sobre pieles de sintetizadores Korg y loops sencillos, mientras Jason Lytle canta con la voz más dulce, todo grabado de forma casera en un Granero con pistas de Skate. NADA MÁS. Es efectivo, es simple, es ridículo y es hermoso.”