La Foca – Submarino (Álbum)
Little Butterfly Records / Ultrapop
Después de cerrar un ciclo, La Foca comienza una nueva etapa con la llegada de su nuevo disco. “Submarino” es el resultado de un proceso que se inició hace un año y medio y que refleja la madurez de una banda que, con su historia en la mochila, elige por sobre todas las cosas seguir haciendo canciones. Esta decisión, tan simple como profunda, es la que llevó al grupo a caminar por nuevas calles.
En este trabajo, las melodías y la simpleza de “Las Letras”, “Triple Tres” y “Resto del Mundo” conviven con la energía post punk de “La Vida al Revés”. La contundencia de “Aplanadora” y de “Suspiro” se cruza con la melancolía de “Dos Semanas”, mientras que “Submarino” y “El Bronce” terminan de confirmar que este es un disco de climas, de momentos y de estados de ánimo.
Las guitarras son las que aportan espacialidad y carácter. Son las dueñas de un protagonismo necesario para que, a través de su sonido, se construya cada tema. Por su parte, la lírica no abunda en giros innecesarios, sino que apuesta a la contundencia. La Foca no solo dice, cuenta: cada letra relata y revela una nueva forma, un nuevo ser.
La Foca nos invita a sumergirnos en su “Submarino” para recorrer estas canciones y ser testigos de la evolución de una banda con más de 30 años en la escena del rock montevideano.
Little Butterfly Records / Ultrapop
Después de cerrar un ciclo, La Foca comienza una nueva etapa con la llegada de su nuevo disco. “Submarino” es el resultado de un proceso que se inició hace un año y medio y que refleja la madurez de una banda que, con su historia en la mochila, elige por sobre todas las cosas seguir haciendo canciones. Esta decisión, tan simple como profunda, es la que llevó al grupo a caminar por nuevas calles.
En este trabajo, las melodías y la simpleza de “Las Letras”, “Triple Tres” y “Resto del Mundo” conviven con la energía post punk de “La Vida al Revés”. La contundencia de “Aplanadora” y de “Suspiro” se cruza con la melancolía de “Dos Semanas”, mientras que “Submarino” y “El Bronce” terminan de confirmar que este es un disco de climas, de momentos y de estados de ánimo.
Las guitarras son las que aportan espacialidad y carácter. Son las dueñas de un protagonismo necesario para que, a través de su sonido, se construya cada tema. Por su parte, la lírica no abunda en giros innecesarios, sino que apuesta a la contundencia. La Foca no solo dice, cuenta: cada letra relata y revela una nueva forma, un nuevo ser.
La Foca nos invita a sumergirnos en su “Submarino” para recorrer estas canciones y ser testigos de la evolución de una banda con más de 30 años en la escena del rock montevideano.
Rodra – Cosas Que No Mueren (Álbum)
Bizarro
«cosas que no mueren», el nuevo álbum de Rodra, por Belén Fourment:
¿De qué se trata en verdad la poesía? Quiero decir: ¿cómo es capaz de resistir cuando el mundo se recrudece y se devora a sí mismo? ¿Por qué se filtra en la tierra más árida y hace brotar semillas donde nada más podía crecer? ¿Qué la convierte, desde mucho antes de que existiera la escritura hasta ahora que la palabra es una luchadora en crisis, en una de esas cosas que no mueren?
Quizás haya una respuesta para cada época y quizás la de esta sea, en parte, la necesidad de que exista un bastión capaz de cambiarnos el cristal con el que se mira el mundo. Una fuerza que rompa la literalidad y le saque brillo a lo ambiguo, a lo deforme, a todo aquello que derrama por los bordes, se esparce por la superficie y termina por manchar una realidad cada vez más lisa. Más homogénea. Más irreal.
Algo de todo eso que habita el nuevo disco de Rodra.
Aunque sus letras ya no se instalen en la poética de su ópera prima “Al humo” y tomen atajos más viscerales, en cosas que no mueren, la poesía —como sensibilidad, como forma de ver— empapa todo. ¿De qué otra forma se explica que un disco así de oscuro termine siendo, en verdad, una conexión directa con el pulso de la vida?
Un golpe. Esa es la puerta de entrada al nuevo álbum de Rodra. Después, este verso: “Ir más lento, mover mis pies antes que a mis pensamientos”, que canta como si su voz fuera una pantera suelta en la madrugada y que funciona, también, como un indicio. Si estas canciones fueran la búsqueda del tesoro, he ahí la primera pista: cosas que no mueren es, a su manera, un kit de supervivencia para tiempos turbulentos.
Seis años después de hacer “Al humo” y tras sortear sus propias crisis, perderse, encontrarse, perderse de nuevo —pero también tocar con La Vela Puerca, construir un público y perfilarse como una de las artistas más feroces de la escena actual—, Rodra regresa con un disco que une todas sus partes. Un disco de rock, de pop, de electrónica, de raíz, fusión, canción de autor, y a la vez de nada de eso. Un disco atravesado por una búsqueda artística y emocional que no le teme a la aspereza ni a la ternura.
Rodra es, al mismo tiempo, las baterías aplanadoras de “ke me pasa”, el rock desfachatado de “te los voy a cortar!”, el bajo espeso de “saber ganar” que funde la pista de una discoteca sórdida con guiños del jazz, la densidad electrónica de “paranoia”, la desnudez onírica y mateística de “mapa para encontrarme”, el amor desbordante y acústico de “ay voy”, la plegaria punky de “estar biennn”, cada uno de los mundos que colisionan en la fantástica “seruna rosa”, el candombe de “esta suerte”, el bálsamo y la catarsis de “volver atrás”. La percusión, las guitarras punzantes y las acústicas, el susurro, el grito. La que convida a Victoria Brion y Flor Sakeo a unirse a su viaje. Y la niña que dibujó el dinosaurio unicornio de cinco patas que un día, muchos años después, se convierte en la portada de su álbum.
“cosas que no mueren” funciona como autorretrato: el primer plano de una artista que alguna vez pensó que no iba a volver a hacer un disco y que terminó pariendo uno para recordar(se) lo que de verdad importa. Son 11 canciones mestizas, salvajes, que cautivan por su honestidad y mientras van del romanticismo al derrumbe persiguen desesperadamente un único propósito: estar bien.
“Mi fe es la más pura conexión con las cosas que no mueren”, dice el verso de “estambul” que bautiza a este disco. La poesía, la música, el fuego interno, la vocación, el amor: esas son las cosas que no mueren. Bienvenido sea un disco que tiene el coraje de honrarlas.
Bizarro
«cosas que no mueren», el nuevo álbum de Rodra, por Belén Fourment:
¿De qué se trata en verdad la poesía? Quiero decir: ¿cómo es capaz de resistir cuando el mundo se recrudece y se devora a sí mismo? ¿Por qué se filtra en la tierra más árida y hace brotar semillas donde nada más podía crecer? ¿Qué la convierte, desde mucho antes de que existiera la escritura hasta ahora que la palabra es una luchadora en crisis, en una de esas cosas que no mueren?
Quizás haya una respuesta para cada época y quizás la de esta sea, en parte, la necesidad de que exista un bastión capaz de cambiarnos el cristal con el que se mira el mundo. Una fuerza que rompa la literalidad y le saque brillo a lo ambiguo, a lo deforme, a todo aquello que derrama por los bordes, se esparce por la superficie y termina por manchar una realidad cada vez más lisa. Más homogénea. Más irreal.
Algo de todo eso que habita el nuevo disco de Rodra.
Aunque sus letras ya no se instalen en la poética de su ópera prima “Al humo” y tomen atajos más viscerales, en cosas que no mueren, la poesía —como sensibilidad, como forma de ver— empapa todo. ¿De qué otra forma se explica que un disco así de oscuro termine siendo, en verdad, una conexión directa con el pulso de la vida?
Un golpe. Esa es la puerta de entrada al nuevo álbum de Rodra. Después, este verso: “Ir más lento, mover mis pies antes que a mis pensamientos”, que canta como si su voz fuera una pantera suelta en la madrugada y que funciona, también, como un indicio. Si estas canciones fueran la búsqueda del tesoro, he ahí la primera pista: cosas que no mueren es, a su manera, un kit de supervivencia para tiempos turbulentos.
Seis años después de hacer “Al humo” y tras sortear sus propias crisis, perderse, encontrarse, perderse de nuevo —pero también tocar con La Vela Puerca, construir un público y perfilarse como una de las artistas más feroces de la escena actual—, Rodra regresa con un disco que une todas sus partes. Un disco de rock, de pop, de electrónica, de raíz, fusión, canción de autor, y a la vez de nada de eso. Un disco atravesado por una búsqueda artística y emocional que no le teme a la aspereza ni a la ternura.
Rodra es, al mismo tiempo, las baterías aplanadoras de “ke me pasa”, el rock desfachatado de “te los voy a cortar!”, el bajo espeso de “saber ganar” que funde la pista de una discoteca sórdida con guiños del jazz, la densidad electrónica de “paranoia”, la desnudez onírica y mateística de “mapa para encontrarme”, el amor desbordante y acústico de “ay voy”, la plegaria punky de “estar biennn”, cada uno de los mundos que colisionan en la fantástica “seruna rosa”, el candombe de “esta suerte”, el bálsamo y la catarsis de “volver atrás”. La percusión, las guitarras punzantes y las acústicas, el susurro, el grito. La que convida a Victoria Brion y Flor Sakeo a unirse a su viaje. Y la niña que dibujó el dinosaurio unicornio de cinco patas que un día, muchos años después, se convierte en la portada de su álbum.
“cosas que no mueren” funciona como autorretrato: el primer plano de una artista que alguna vez pensó que no iba a volver a hacer un disco y que terminó pariendo uno para recordar(se) lo que de verdad importa. Son 11 canciones mestizas, salvajes, que cautivan por su honestidad y mientras van del romanticismo al derrumbe persiguen desesperadamente un único propósito: estar bien.
“Mi fe es la más pura conexión con las cosas que no mueren”, dice el verso de “estambul” que bautiza a este disco. La poesía, la música, el fuego interno, la vocación, el amor: esas son las cosas que no mueren. Bienvenido sea un disco que tiene el coraje de honrarlas.
Florencia Núñez – Década y Media (Single)
Independiente
Florencia Núñez lanza “Década y media”, una canción que celebra sus 15 años de recorrido artístico y reafirma el lugar singular que ocupa dentro de la música uruguaya contemporánea.
Con 14 Premios Graffiti —récord histórico para una artista femenina en Uruguay— Florencia ha construido, disco a disco, una obra profundamente personal, sensible y reconocible. Dueña de una identidad artística que integra canción de autor, pop contemporáneo y música de raíz latinoamericana, su universo creativo dialoga con el paisaje uruguayo, la intimidad del folk y la sensibilidad de la canción rioplatense.
“Década y media”, ya disponible en plataformas digitales, funciona como una celebración del camino recorrido, pero también como una declaración de presente. La canción encuentra a Florencia Núñez en un momento de madurez artística, conectada con la esencia de una obra que, desde sus comienzos, transformó experiencias personales en canciones cargadas de profundidad emocional.
A lo largo de estos quince años, Florencia Núñez logró consolidarse como una de las voces más importantes de la nueva canción uruguaya. Con discos fundamentales como “Porque todas las quiero cantar” (2020) y “Fe” (2024), la artista rochense desarrolló una estética delicada y sofisticada, donde conviven arreglos orgánicos, exploración sonora y una interpretación cercana que privilegia el clima y la emoción.
El amor, la memoria, el territorio y la música como destino atraviesan gran parte de su obra, generando un vínculo genuino con el público y una identidad artística única dentro de la escena latinoamericana actual.
Independiente
Florencia Núñez lanza “Década y media”, una canción que celebra sus 15 años de recorrido artístico y reafirma el lugar singular que ocupa dentro de la música uruguaya contemporánea.
Con 14 Premios Graffiti —récord histórico para una artista femenina en Uruguay— Florencia ha construido, disco a disco, una obra profundamente personal, sensible y reconocible. Dueña de una identidad artística que integra canción de autor, pop contemporáneo y música de raíz latinoamericana, su universo creativo dialoga con el paisaje uruguayo, la intimidad del folk y la sensibilidad de la canción rioplatense.
“Década y media”, ya disponible en plataformas digitales, funciona como una celebración del camino recorrido, pero también como una declaración de presente. La canción encuentra a Florencia Núñez en un momento de madurez artística, conectada con la esencia de una obra que, desde sus comienzos, transformó experiencias personales en canciones cargadas de profundidad emocional.
A lo largo de estos quince años, Florencia Núñez logró consolidarse como una de las voces más importantes de la nueva canción uruguaya. Con discos fundamentales como “Porque todas las quiero cantar” (2020) y “Fe” (2024), la artista rochense desarrolló una estética delicada y sofisticada, donde conviven arreglos orgánicos, exploración sonora y una interpretación cercana que privilegia el clima y la emoción.
El amor, la memoria, el territorio y la música como destino atraviesan gran parte de su obra, generando un vínculo genuino con el público y una identidad artística única dentro de la escena latinoamericana actual.
Trotsky Vengarán – Por Siempre Jamás (Single)
Bizarro
Trotsky Vengarán celebra 35 años de trayectoria con la misma energía que los ha mantenido en pie desde los 90: la convicción de no parar nunca. Este aniversario se vive con una agenda cargada de shows en Uruguay, Argentina y varias presentaciones en el exterior.
En medio de esta celebración, la banda presenta su nuevo single “Por Siempre Jamás”, adelanto de su próximo álbum de estudio. El tema, producido por Mariano Martínez (Attaque 77) y grabado en Elefante Blanco por Álvaro Villagra, despliega un imaginario de cuentos de hadas confrontado con la crudeza de la realidad. La canción se convierte en un himno de resistencia frente a los sueños rotos, reivindicando la fuerza interior y la lucha propia en un mundo hostil. “Por siempre jamás, al pie del arcoiris, frutas amargas, promesas por cumplir”.
El nuevo álbum se viene revelando con una serie de singles que ya conquistaron el chart de radio nacional y se posicionaron en playlists de plataformas digitales, consolidando una propuesta artística que combina potencia sonora con una estética visual cinematográfica. Canciones como “Barrio”, “Mil Infiernos”, “Jugados a nuestra suerte”, “Yerba Mala” y la versión de “¿Por qué me haces llorar?” —clásico mexicano popularizado por Juan Gabriel— confirman la capacidad de Trotsky de reinventarse y expandir su alcance internacional.
Con 35 años de historia, Trotsky Vengarán no mira atrás: celebra el presente con nuevas canciones, nuevas giras y un espíritu inquebrantable que sigue contagiando generaciones.
Bizarro
Trotsky Vengarán celebra 35 años de trayectoria con la misma energía que los ha mantenido en pie desde los 90: la convicción de no parar nunca. Este aniversario se vive con una agenda cargada de shows en Uruguay, Argentina y varias presentaciones en el exterior.
En medio de esta celebración, la banda presenta su nuevo single “Por Siempre Jamás”, adelanto de su próximo álbum de estudio. El tema, producido por Mariano Martínez (Attaque 77) y grabado en Elefante Blanco por Álvaro Villagra, despliega un imaginario de cuentos de hadas confrontado con la crudeza de la realidad. La canción se convierte en un himno de resistencia frente a los sueños rotos, reivindicando la fuerza interior y la lucha propia en un mundo hostil. “Por siempre jamás, al pie del arcoiris, frutas amargas, promesas por cumplir”.
El nuevo álbum se viene revelando con una serie de singles que ya conquistaron el chart de radio nacional y se posicionaron en playlists de plataformas digitales, consolidando una propuesta artística que combina potencia sonora con una estética visual cinematográfica. Canciones como “Barrio”, “Mil Infiernos”, “Jugados a nuestra suerte”, “Yerba Mala” y la versión de “¿Por qué me haces llorar?” —clásico mexicano popularizado por Juan Gabriel— confirman la capacidad de Trotsky de reinventarse y expandir su alcance internacional.
Con 35 años de historia, Trotsky Vengarán no mira atrás: celebra el presente con nuevas canciones, nuevas giras y un espíritu inquebrantable que sigue contagiando generaciones.
Rojo Tres – Veredas de Montevideo (Single)
Montevideo Music Group
Rojo Tres presenta “Veredas de Montevideo”, un nuevo tema que mezcla nostalgia y calle en una canción profundamente montevideana.
Con una atmósfera intensa y auténtica, la banda integrada por Diego De Luca, Flavio Vezzoso, Marcelo Lasso y Gastón Gómez recorre recuerdos y esquinas de la ciudad, manteniendo la esencia del rock uruguayo que define su identidad.
Grabado en abril de 2026 en GR Estudio contó con la producción artística de Esteban Stopelli, mientras que la mezcla estuvo a cargo de Gustavo Ruvertoni, Rojo Tres y Esteban Stopelli.
Montevideo Music Group
Rojo Tres presenta “Veredas de Montevideo”, un nuevo tema que mezcla nostalgia y calle en una canción profundamente montevideana.
Con una atmósfera intensa y auténtica, la banda integrada por Diego De Luca, Flavio Vezzoso, Marcelo Lasso y Gastón Gómez recorre recuerdos y esquinas de la ciudad, manteniendo la esencia del rock uruguayo que define su identidad.
Grabado en abril de 2026 en GR Estudio contó con la producción artística de Esteban Stopelli, mientras que la mezcla estuvo a cargo de Gustavo Ruvertoni, Rojo Tres y Esteban Stopelli.
Juan Campodónico feat. Camila Rodríguez – Romántico (En Vivo) (Single / Audiovisual)
Independiente
Juan Campodónico presenta “Romántico – En Vivo”, una nueva versión registrada durante las presentaciones de Todo Esto Tampoco Soy Yo en la Sala Hugo Balzo, donde el artista agotó dos funciones el pasado mes con un formato en vivo que marcó un nuevo capítulo en su recorrido artístico.
Interpretada junto a Camila Rodríguez, la canción captura uno de los momentos más intensos y magnéticos del espectáculo. Romántico – En Vivo comienza con una atmósfera tanguera cercana al universo de Bajofondo y deriva rápidamente hacia un synth pop oscuro, emocional y profundamente físico, donde la electrónica melancólica y la tensión cinematográfica construyen una identidad sonora moderna y envolvente.
La participación de Camila Rodríguez —voz de Niña Lobo— aporta una sensibilidad sobria que potencia el universo de la canción y consolida el cruce entre la sofisticación sonora de Campodónico y una de las voces más relevantes de la nueva escena indie rioplatense.
El estreno llega luego de las dos funciones completamente agotadas de Todo Esto Tampoco Soy Yo en Montevideo, donde Campodónico presentó un nuevo formato en vivo concebido como una experiencia inmersiva y colectiva. Más cercano a una obra integral que a un recital tradicional, el show expandió el universo del disco hacia una dimensión escénica donde convivieron electrónica, instrumentación en vivo, visuales y narrativa performática.
El formato se construye junto a un ensamble integrado por Camila Rodríguez (guitarra y voz) y Mateo Ottonello (batería y percusión), además de colaboraciones especiales como las de Zeballos y Sebastián Teysera, conectando distintas escenas contemporáneas dentro de una misma propuesta artística.
Con visuales de Clara Bonavita, dirección escénica de Felipe Ipar e iluminación de Danisa Boyssonade, las presentaciones funcionaron como un laboratorio creativo en tiempo real, reafirmando el presente de Juan Campodónico como uno de los artistas más inquietos y sofisticados de la música rioplatense actual.
Independiente
Juan Campodónico presenta “Romántico – En Vivo”, una nueva versión registrada durante las presentaciones de Todo Esto Tampoco Soy Yo en la Sala Hugo Balzo, donde el artista agotó dos funciones el pasado mes con un formato en vivo que marcó un nuevo capítulo en su recorrido artístico.
Interpretada junto a Camila Rodríguez, la canción captura uno de los momentos más intensos y magnéticos del espectáculo. Romántico – En Vivo comienza con una atmósfera tanguera cercana al universo de Bajofondo y deriva rápidamente hacia un synth pop oscuro, emocional y profundamente físico, donde la electrónica melancólica y la tensión cinematográfica construyen una identidad sonora moderna y envolvente.
La participación de Camila Rodríguez —voz de Niña Lobo— aporta una sensibilidad sobria que potencia el universo de la canción y consolida el cruce entre la sofisticación sonora de Campodónico y una de las voces más relevantes de la nueva escena indie rioplatense.
El estreno llega luego de las dos funciones completamente agotadas de Todo Esto Tampoco Soy Yo en Montevideo, donde Campodónico presentó un nuevo formato en vivo concebido como una experiencia inmersiva y colectiva. Más cercano a una obra integral que a un recital tradicional, el show expandió el universo del disco hacia una dimensión escénica donde convivieron electrónica, instrumentación en vivo, visuales y narrativa performática.
El formato se construye junto a un ensamble integrado por Camila Rodríguez (guitarra y voz) y Mateo Ottonello (batería y percusión), además de colaboraciones especiales como las de Zeballos y Sebastián Teysera, conectando distintas escenas contemporáneas dentro de una misma propuesta artística.
Con visuales de Clara Bonavita, dirección escénica de Felipe Ipar e iluminación de Danisa Boyssonade, las presentaciones funcionaron como un laboratorio creativo en tiempo real, reafirmando el presente de Juan Campodónico como uno de los artistas más inquietos y sofisticados de la música rioplatense actual.